Desde la Librería Railowsky me han mandado un pequeño listado de recomendaciones navideñas que me limito a trasnmitir. Espero que las recomendaciones sean útiles.
LA MALETA MEXICANA. EDICIÓN
ESPECIAL. LAS FOTOGRAFÍAS INÉDITAS DE ROBERT CAPA, GERDA TARO Y DAVID SEYMOUR CHIM
EN EL MNAC DE BARCELONA. (2 TOMOS ).
La Fábrica Editorial y la Fundación Pablo
Iglesias publican en español La Maleta Mexicana,
el libro que descubre más de 4.500 negativos de la guerra civil española de Robert
Capa, Gerda Taro y David Seymour "Chim" descubiertos en
2007. La publicación es un proyecto del ICP-International Center of
Photography, y se divide en dos tomos -La historia
y Los negativos- que reproducen íntegramente los 126 rollos de
película hallados, acompañados por 18 ensayos de 22 especialistas en fotografía
y en la guerra civil española. El libro contiene también reproducciones de revistas
en las que los fotógrafos publicaron sus imágenes, que proporcionan un
extraordinario panorama sobre la cobertura de la guerra en medios de todo el
mundo.
La Maleta Mexicana nace de una
historia novelesca y fascinante. De forma casi milagrosa, el 19 de diciembre de
2007, Cornell Capa y el equipo del International Center of Photography ponían
fin a la larga búsqueda de tres cajas de cartón que contenían 126 rollos de
película de Robert Capa, Gerda Taro y David Seymour "Chim"
dados por perdidos desde la Segunda Guerra Mundial.
Cuando Capa abandonó París, en octubre de 1939,
dejó a cargo de los negativos a su ayudante de laboratorio, Emérico Csiki
Weisz, temeroso de su destrucción. Misteriosamente, estos acabaron en la
oficina diplomática mexicana en Francia, llegando a manos del general Francisco
Aguilar González, embajador de México durante el gobierno de Vichy en 1941-42.
A su regreso a México, el embajador llevó consigo la maleta, que, tras su
muerte, pasaría de mano en mano entre sus herederos, hasta recalar en el
cineasta mexicano Benjamin Tarver, quien en 1995 contactó con el profesor
Jerald R. Green del Queens College, en Nueva York, para comunicarle que tenía
en su haber negativos que podrían pertenecer a Capa. Hasta 2007, poco antes de
su muerte, Cornell Capa, hermano del célebre fotógrafo, no tendría en sus manos
la maleta mexicana.
Los negativos se organizan cronológicamente y
abren nuevas vías para el estudio de la obra de los fotógrafos, permitiendo
conocer detalles de la guerra civil española y de cómo se concebía el
periodismo gráfico en la época.
Entre las imágenes recuperadas están las que
documentan la batalla del Río Segre, las últimas fotos de Gerda Taro en la
batalla de Brunete (donde murió en 1937), retratos desconocidos de Ernest
Hemingway, Federico Garcia Lorca, Rafael Alberti, Mª Teresa León y Dolores
Ibarruri "La Pasionaria", así como algunos retratos de
Taro que Capa conservó tras su muerte.
El material no solo proporciona una amplia
panorámica de la Guerra Civil, sino que también demuestra cómo el trabajo de
los tres fotógrafos ha sentado las bases de la fotografía de guerra moderna.
Difundida a través de la prensa internacional, su cobertura innovadora y
apasionada de la guerra inmortalizó las batallas y los terribles efectos de la
contienda sobre la población civil.
Las fotografías recuperadas amplían también el
estudio de la obra de los tres fotógrafos y sirven para narrar la historia de
los tres jóvenes: la relación artística y personal entre Capa y Taro o la
alianza entre Seymour y Capa de la que más tarde nacería Magnum.
La Maleta Mexicana contiene,
además de un registro fotográfico de incuestionable valor, valiosos ensayos
escritos por especialistas en los fotógrafos, la guerra civil española y la
fotografía de los años 30. Brian Wallis, Paul Preston, Simon Dell,
David Balsells, Michel Lefebvre y Bernard Lebrun, Cynthia Young, Kristen
Lubben, Daniel Kowalsky, Carole Naggar, Miriam Basilio, Vanessa Rocco, Juan
José Lahuerta, Jordana Mendelson, Irme Schaber, Juan Salas, Anthony L. Geist,
Amanda Vaill, Helen Graham, Marie-Hélène Meléndez, Sebastiaan Faber y Rosemary
Sullivan son los autores de textos de temáticas diversas.
El libro está prologado por el director del
International Center of Photography, Willis E. Hartshorn, y
contiene un prefacio de la comisaria de la exposición, Cynthia Young.
139 hojas de contacto de 69 fotógrafos de la
agencia Magnum Photos, así como detalles seleccionados y material visual
complementario.
Hitos que conmemoran las hojas de contacto como
medio de trabajo, como registros personales e históricos, como herramientas de
edición de incalculable valor y como una manera fascinante de acompañar a los
grandes fotógrafos en su búsqueda de las imágenes más duraderas de nuestro tiempo.
Incluye el trabajo de numerosos maestros de la
fotografía (Henri Cartier-Bresson, Elliott Erwitt e Inge Morat) y los de la
nueva generación de Magnum (Jonas Bendiksen, Alexandra Sanguinetti y Alec Soth,
entre otros).
Pocos libros de fotografía pueden afirmar ser
verdaderamente innovadores. Éste es uno de ellos. Revela, por primera vez, la
manera en que los fotógrafos de Magnum toman y editan sus mejores fotografías.
Los textos de los propios fotógrafos o de expertos escogidos por los
responsables de los legados proporcionan un análisis más profundo de cada una
de las hojas de contacto.
Aborda cuestiones clave de la práctica
fotográfica: la imagen final ¿fue preparada con sumo cuidado o surgió como un
descubrimiento fortuito de algo muy bello? ¿Trabajó el fotógrafo con diligencia
para sacar el mejor partido de una determinada situación o entró en juego el
fabuloso «momento decisivo»? Muestra al desnudo los métodos creativos, las
estrategias y los procesos de edición que están detrás de algunas de las imágenes
que se han convertido en iconos mundiales.
MAGNUM MAGNUM.
Magnum Magnum reúne la mejor
colección de fotografía de los sesenta años de vida de la prestigiosa agencia,
nace para conmemorar su aniversario. Esta gran edición más de 400 fotografías realizadas
por sus 69 miembros, algunos tan prestigiosos como Henri Cartier-Bresson,
Robert Capa, Eve Arnorld, Marc Riboud , Werner Bischof, Martin Parr, Susan
Meiselas, Alec Soth y Donovan Wylie.
GITANOS. KOUDELKA
Este espléndido libro,
considerado un hito imprescindible de la fotografía del siglo pasado, fue
publicado por primera vez en 1975 y llega a España por primera vez en una
edición revisada, editada y ampliada por el propio autor. Con más de cien
imágenes –en lugar de la sesenta originales- es el más impactante y amplio
reportaje sobre la vida de los gitanos en cinco países europeos, realizado
entre 1962 y 1971.
KOUDELKA
Este libro retrospectivo reúne
las diferentes etapas de la obra de Koudelka y nos muestra cómo va ganando en
intensidad. Recoge sus primeros trabajos, fotografías de teatro, imágenes de
gitanos, la invasión de Praga de 1968, la serie “Exilios”, hasta las
panorámicas más recientes.
CPHOTO 3 . POSADO / NO POSADO
La excelente revista/libro CPHOTO
MAGAZINE se reinventa con un formato similar pero con la misma calidad de
contenidos y reproducciones y, lo más interesantes a mejor precio.
El volumen Posado/No Posado
aborda la tensión existente entre la absoluta espontaneidad y la ausencia de
pose, por un lado, y el anhelo de conseguir la perfección en la pose, por el
otro, desde múltiples enfoques que van desde el fotoperiodismo y las
instantáneas de aficionados hasta la publicidad, el retrato y la fotografía de
moda. La selección de los trece porfolios pretende destacar estos dos polos
entre los que ha oscilado la fotografía durante los últimos cien años,
alimentando un motor creativo que la mantiene viva y fresca hasta el día de
hoy.
Fotógrafos:
Slim Aarons, Guy Bourdin, Ghislain Dussart, Hester Scheurwater,
Los Angeles Police Department, Jaques Henri Lartigue, Federico Patellani
Pawel Jaszczuk, Edward Quinn, Rico Scagliola & Michael Meier
Rico Scagliola & Michael Meier, Jules Spinatch, Thomas Struth, Garry Winogrand
Fotógrafos:
Slim Aarons, Guy Bourdin, Ghislain Dussart, Hester Scheurwater,
Los Angeles Police Department, Jaques Henri Lartigue, Federico Patellani
Pawel Jaszczuk, Edward Quinn, Rico Scagliola & Michael Meier
Rico Scagliola & Michael Meier, Jules Spinatch, Thomas Struth, Garry Winogrand
EL FOTOLIBRO LATINOAMERICANO. Horacio Fernández
La idea de estudiar los fotolibros
latinoamericanos nace en el primer Fórum Latinoamericano de Fotografía, que
tiene lugar en el Instituto Cultural Itaú de São Paulo en 2007. Durante los
tres años siguientes, Horacio Fernández realiza una extensa investigación en las
principales ciudades de América Latina, donde se encuentra con libreros,
estudiosos, coleccionistas y, sobre todo, fotógrafos, diseñadores y editores.
La calidad y originalidad de los fotolibros encontrados permite la edición de
este libro sobre el tema.
El fotolibro latinoamericano integra
ciento cincuenta obras de gran riqueza y complejidad, que revelan la enorme
aportación que ha hecho América Latina a la historia del fotolibro, así como
algunos de los secretos mejor guardados de la historia de la fotografía.
Se trata de un estudio crítico que aporta
información relevante sobre los autores y el contexto social, cultural y
político de los fotolibros presentados, los cuales se reproducen con el mayor
despliegue gráfico y constituyen la producción más destacada desde el origen
del fotolibro en Latinoamérica hasta nuestros días.
En un orden cronológico y temático, el lector
encontrará los fotolibros más destacados de Argentina, Bolivia, Brasil, Chile,
Colombia, Cuba, Ecuador, México, Nicaragua, Perú y Venezuela.
LA CÁMARA DE PANDORA. La fotografí@ después de la
fotografía.
Este libro ha sido galardonado con el Premio
Nacional de Ensayo 2011, hecho insólito al tratarse de un libro sobre
fotografía.
Pequeña reseña :
El cambio de paradigma tecnológico al que la
fotografía se ha visto sometida en los últimos años no sólo ha puesto de nuevo
de manifiesto la naturaleza fotográfica de nuestra cultura, sino que ha
zarandeado algunos de los fundamentos que parecían formar parte indisociable de
lo fotográfico. A través del estilo desenfadado e irónico que siempre ha
caracterizado a Joan Fontcuberta, La cámara de Pandora aborda la refundación de
este medio en el nuevo entorno digital para repensar aquellas cuestiones que
van más allá de lo estrictamente fotográfico y para abrirse a los nuevos
principios que se plantean con la nueva fotografía. Con artículos de marcado
tono lúdico como muestran sus propios títulos -'Yo conocí a las Spice Girls' o
'El misterio del pezón desaparecido'-, el autor retoma el hilo conductor que ya
marcara en El beso de Judas. Fotografía y verdad y, en esta nueva entrega de
dieciséis ensayos, desgrana lo que queda de la fotografía: los restos de la
autenticidad, los restos de lo documental, los restos de unos valores que
hicieron que la fotografía moldeara la mirada moderna y contribuyera a nuestra
felicidad. Y, fiel al principio de que una fotografía vale más que mil
mentiras, el autor elucida la naturaleza de la nueva fotografía (digital) y sus
extravíos. De ahí derivan reflexiones críticas y evocaciones poéticas que
rastrean los empeños de una posmoderna cámara de Pandora que ya no se limita a
describir nuestro entorno sino que ambiciona poner orden y transparencia en los
sentimientos, la memoria y la vida.
TRABAJADORES. Sebastiäo Salgado
El reportaje que Salgado realizó por todo el
mundo con el objetivo de mostrar distintas facetas del mundo del trabajo, en
muchos casos semi-esclavo, a un precio increible.
GOTTHARD SCHUH
Pionero del
fotoperiodismo moderno, creador del 'realismo poético' y autor de un legado
artístico de valor incalculable, la obra de Gotthard Schuh se resume en esta
exposición con la que Fundación Mapfre abre su temporada 2011-2012.
Schuh creó un mundo muy
particular, en el que se empeñaba en destacar el lado más subjetivo de la
realidad que percibía con su cámara. Explicaba que el arte de la fotografía
alberga 'un cierto tipo de encaprichamiento; lo que implica algo impulsivo,
algo inalcanzable por medio de la razón'.
La selección está
compuesta por 113 de sus obras más importantes, concebidas entre 1929 y 1956,
cedidas por la Fundación para la fotografía Suiza, organización que administra
su legado. Como colofón se expondrán 20 obras realizadas por miembros del
Kollegium de fotógrafos suizo en la década de los cincuenta.
EL PARAÍSO DE LOS CREYENTES. Alberto García-Alix
La muestra reúne 66 fotos en blanco y negro
y un audiovisual de 25 minutos donde el artista reflexiona e introduce al
espectador en el juego de realidad y representación.
Catálogo de la exposición que García-Alix nos muestra en el Centro Cultural las Cigarreras desde el 12/05/2011 hasta el 31/07/2011 y que titula "El paraíso de los creyentes". Son 66 fotos en blanco y negro de medio y gran formato, más un audiovisual de 25 minutos donde el artista conjuga imágenes fijas y pensamientos con voz en off en torno a las mismas. El montaje de la exposición y el vídeo sirve a García Alix (León 1956) para adentrarse en un territorio con estrechos vínculos entre las imágenes, los pensamientos y la literatura.
Catálogo de la exposición que García-Alix nos muestra en el Centro Cultural las Cigarreras desde el 12/05/2011 hasta el 31/07/2011 y que titula "El paraíso de los creyentes". Son 66 fotos en blanco y negro de medio y gran formato, más un audiovisual de 25 minutos donde el artista conjuga imágenes fijas y pensamientos con voz en off en torno a las mismas. El montaje de la exposición y el vídeo sirve a García Alix (León 1956) para adentrarse en un territorio con estrechos vínculos entre las imágenes, los pensamientos y la literatura.
TRANSTEMPO. Cristina Garcia Rodero
Cristina García Rodero (Puertollano,
1949) es una de nuestras fotógrafas más personales y brillantes, y la primera
española en ser miembro de la Agencia Internacional de fotografía Magnum. Las
imágenes que aquí presentamos abarcan más de tres décadas de trabajo,
específicamente el que la autora realizó en territorio gallego. Más que en el
paisaje natural o en los elementos culturalmente construidos, los artefactos,
las arquitecturas o los interiores, la fotógrafa se mueve en una geografía de
los sentimientos, donde se revela el espectro de las emociones humanas en todo
su esplendor. Personajes que, en su universalidad, mantienen un singular
anonimato.
El corpus fotográfico que García Rodero ha venido produciendo durante los últimos cuarenta años es de una relevancia ética y estética fuera de lo común. Los temas en que esta artista ha focalizado sus investigaciones han sido tratados con una extrema exigencia formal a la hora de ser incorporados al mundo de los signos. Sus imágenes se distancian de la caótica iconosfera contemporánea por su dignidad, por su perspicacia y por su coherente e incuestionable estilo. La fotografía de Cristina García Rodero llega donde no llegan las palabras: es pensamiento plástico puro, es espejo prístino y mordaz de lo real, es amor hacia lo viviente y conciencia de su precariedad y de su esplendor.
Un análisis detallado y alejado de prejuicios hace estallar el cliché en que algunas miradas superficiales han querido encerrar su obra. Porque, efectivamente, García Rodero se inscribe en la tradición de la antropología visual y usa la fotografía como instrumento para documentar rituales religiosos o folclore, pero nunca persigue lo supuestamente exótico para insertarlo en los circuitos de consumo de la sociedad del espectáculo. García Rodero se sirve de la fotografía como tecnología contemporánea para explorar los rincones más recónditos del alma humana y registra situaciones en que los individuos se producen como sujetos en un salir de sí que desborda las conexiones entre lo psicológico y lo social.
El corpus fotográfico que García Rodero ha venido produciendo durante los últimos cuarenta años es de una relevancia ética y estética fuera de lo común. Los temas en que esta artista ha focalizado sus investigaciones han sido tratados con una extrema exigencia formal a la hora de ser incorporados al mundo de los signos. Sus imágenes se distancian de la caótica iconosfera contemporánea por su dignidad, por su perspicacia y por su coherente e incuestionable estilo. La fotografía de Cristina García Rodero llega donde no llegan las palabras: es pensamiento plástico puro, es espejo prístino y mordaz de lo real, es amor hacia lo viviente y conciencia de su precariedad y de su esplendor.
Un análisis detallado y alejado de prejuicios hace estallar el cliché en que algunas miradas superficiales han querido encerrar su obra. Porque, efectivamente, García Rodero se inscribe en la tradición de la antropología visual y usa la fotografía como instrumento para documentar rituales religiosos o folclore, pero nunca persigue lo supuestamente exótico para insertarlo en los circuitos de consumo de la sociedad del espectáculo. García Rodero se sirve de la fotografía como tecnología contemporánea para explorar los rincones más recónditos del alma humana y registra situaciones en que los individuos se producen como sujetos en un salir de sí que desborda las conexiones entre lo psicológico y lo social.
PLOSSU COLOR FRESSON. Bernard Plossu
En 1899
Henri – Théodore Fresson presentó el proceso fresson a la Sociedad
Francesa de la Fotografía. Más de 100 años después uno de sus biznietos,
Jean-François Fresson, continúa la tradición familiar desde su pequeño taller
de París.
Esta
técnica fotográfica es única en el mundo y la sigue realizando en exclusiva la
familia Fresson. Es un proceso artesanal muy laborioso que provoca que los
encargos tarden más de cuatro meses en ser entregados. De una forma simple se
podría definir como unas impresiones fotográficas, en su origen sobre papel
carbón, realizadas sin transferencias.
Dicho
proceso daba una textura especial a las fotografías y fue utilizado por
fotógrafos famosos como Ortiz Echagüe y Demachy. Con el paso del tiempo el
proceso se fue perfeccionando y será en la década de los sesenta del pasado
siglo cuando los fressons en color comienzan a tener mercado. Jóvenes
fotógrafos con inquietudes artísticas como Bernard Plossu, Bernard Faucon o
John Batho apuestan por este proceso por su valor estético y su excelente
conservación y durabilidad.
En este
catálogo de la muestra que se expone en la galería Railowsky se reúnen 18
fotografías de diversos formatos y procedencias. Con predominio de las imágenes
realizadas en América ( México y Estados Unidos ), también se pueden ver
fotografías de Sri Lanka ( antiguo Ceilán ), Marruecos, Francia e incluso una
curiosa imagen de la casa del fotógrafo Carlos Serrano. Las fotografías fueron
realizadas entre las décadas de 1960 y 1970 del siglo XX.
La
originalidad de este libro no sólo se centra en lo maravilloso del proceso
fresson , sino también en poder ver los trabajos en color de Bernard
Plossu de su primera época como fotógrafo.
Plossu es
mundialmente conocido por sus trabajos de reportaje de viaje en blanco y negro.
Su “Viaje mexicano” ( 1965 – 1966 ) marcó un antes y un después en el concepto
de la fotografía de viajes. Creador de un estilo muy personal es menos conocido
por sus trabajos en color. No es por ello extraño que mucha gente desconozca
que a Plossu siempre le acompañaba una cámara con película en color, y que en
paralelo a sus reportajes en blanco y negro fue realizando infinidad de
fotografías en color. Desconocemos el motivo por el que esta faceta de su obra
artística es menos conocida pero el resultado es un disfrute para los sentidos.
Este catálogo
nos descubre a un Plossu esplendoroso, apoyado por las fantásticas texturas de
los fressons . En definitiva, el libro nos invita a
introducirnos en un mundo mágico, onírico y romántico. Una verdadera explosión
de color.
BAYLÓN
Libro antológico del gran
fotógrafo madrileño Luis Baylón, ( chulo madrileño y castizo de pura cepa ) en
el que través de una selección de 100 fotografías nos muestra una pequeña
esencia de su obra. Fotógrafo de la calle por excelencia, realiza un recorrido
por Madrid, Valencia, Lisboa, Berlin, Barcelona, Benarés, Marsella,... y como
recoge de forma magistral su gran amigo, y también gran fotógrafo Bernard
Plossu, "Baylón es un visionario de almas. Las almas aparecen como lo
hacen en los personajes del desierto mexicano-americano alrededor de Carlos
Castaneda. Baylón es como don Juan de Castaneda: es aquel que ve a través, que
penetra nuestras almas, que entiende de las cosas sencillas. Sus fotos, como
sin querer, son lecciones de transparencia de pensamiento."
ISABEL MUÑOZ. OBRAS MAESTRAS
Tercer volumen de la colección Obras maestras que edita La
Fábrica Editorial, en esta ocasión repasa la trayectoria de Isabel Muñoz , la
fotógrafa española más importantes importante de la historia de la fotografía
española, mediante la reproducción de más de 220 fotografías , tanto inéditas
como las que le han dado reconocimiento internacional.
La revista “The New York Times
Magazine” lleva años siendo una pieza clave en el mundo de la fotografía. En un
momento decisivo en la evolución del medio, este volumen reflexiona sobre las
fotografías más impactantes publicadas por la revista en las últimas tres
décadas de transformación constante.
El libro incluye más de cien
imágenes, ordenadas en cinco secciones: Retratos, Documentales,
Fotoilustración, Estilismo y Proyectos.
CENTELLES in_edit_ ¡ oh !
Catálogo de la exposición celebrada en el Centro Rey Juan Carlos I de España en
Nueva York, octubre-diciembre 2011. Presenta 40 fotografías del artista
valenciano considerado uno de los iniciadores del fotoperiodismo en España,
efectuadas durant e el período de la Guerra Civil española y su exilio en el
campo de concentración francés de Bram, cerca de la ciudad de Carcasona.
Complementa el conjunto una serie de unas treinta revistas internacionales que
publicaron fotografías de Centelles.
PHOTOREGALO. FOTOGRAFÍAS ORIGINALES DE GRANDES
FOTÓGRAFOS ESPAÑOLES, FIRMADAS Y NUMERADAS.
A destacar
autores como Vari Caramés, Rafael Navarro, Juan Manuel Castro Prieto, Pilar
Pequeño, Manel Esclusa, Ferran Freixa, Ramón Masats, Nicolas Muller, Carlos
Pérez Siquier, Navia y Ricard Terré.
Características
de las fotografías :
Copias
realizadas por el prestigioso laboratorio de Castro Prieto mediante impresión
digital en papel Ilford Gold Fibre Silk, numeradas y firmadas por sus autores (Tiraje
de 1000 copias). Enmarcadas en madera y con cristal protector. Tamaño del marco
(31 x 25 cm), con estuche protector. Precio : 92 €
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